BIENVENIDOS
BARROCO
El Siglo de Oro fue una época de auge cultural y en el que se dieron varias corrientes. Una de las más importantes fue la del Barroco que abarcó todas las manifestaciones artísticas desde los inicios del 1600, extendiéndose a lo largo de aproximadamente 150 años.
Este período de revolución artística se manifestó en los campos de la escultura, arquitectura, literatura, arte y música en la mayoría de los países europeos y americanos; no olvidemos que en aquella época América se encontraba recientemente colonizada por los españoles, portugueses e ingleses.
Los motivos del surgimiento de esta nueva manifestación se dieron por varios factores, especialmente relacionados con el mayor exponente de la iglesia católica: el Vaticano. Éste se encontraba bajo duras críticas por parte de diversos sectores que cuestionaban sus actos de corrupción, la reforma protestante estaba haciéndose sentir, cuestionando a la iglesia católica con la existencia de la virginidad de María y la autoridad del Papa, factores que debilitaban profundamente el poder del clero. https://sobrehistoria.com/todo-sobre-el-barroco/
http://www.arteguias.com/barroco.htm
http://www.ejemplode.com/63-arte/3312-caracteristicas_del_barroco.html
http://www.ejemplode.com/63-arte/3312-caracteristicas_del_barroco.html
Barroco
El término Barroco, de sentido peyorativo, tiene un significado
referente a una joya falsa. Este estilo tan sobrecargado y la palabra con
la que se lo describió posteriormente, nos habla de una intención de
aparentar, relacionada con los efectos teatrales que buscaban
proporcionar los artistas barrocos.
De todas maneras, no podemos hablar de un estilo dominante
unificado. Por el contrario, el Barroco se desarrolló de maneras muy
diversas y cada país europeo lo adoptó desde ángulos diferentes, por lo
que resulta difícil establecer un denominador común. Hauser (2002)
expone: “…ahora el Arte no tiene ya carácter unitario en este sentido
estricto, y es a la par naturalista y clásico, analítico y sintético”. Más que
nunca empiezan a mezclarse las opiniones artísticas y los contenidos
psicológicos de las obras y de sus autores, condicionados además por la
situación social y política de cada país en particular.
El origen de este movimiento podemos situarlo en Roma, donde la
Iglesia Católica buscaba renovarse para contraatacar a la Reforma. De
esta manera, utilizó al Arte como su mayor fuente propagandística.
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Necesitaba que Roma volviera a convertirse en una capital digna y
atractiva para el mundo. (Mainstone, 1989)
Así, la Iglesia se propuso generar una nueva concepción dentro
del Arte para lograr una mayor reacción por parte de sus fieles. En un
principio buscó esto a partir de la Arquitectura y podemos observar un
claro ejemplo en la Iglesia Il Gesù. En ella el arquitecto Giacomo della
Porta combinó elementos de las iglesias medievales con otros
renacentistas y clásicos. Los fusionó alterando los modelos
convencionales en pos de un efecto que rompiera con la monotonía y
generara una mayor diversidad. Además unió el piso superior con el
inferior usando un agregado en forma de volutas, totalmente nuevo en el
lenguaje arquitectónico. (Gombrich, 1992)
A principios del S XVII la Iglesia ya se encontraba en una posición
más afianzada, habiendo dado por perdidos los lugares alcanzados por
la Reforma y enfocándose fuertemente en los sitios en los que la fe
católica seguía vigente.
Es así como se construyeron una gran cantidad de Iglesias,
generando encargos pictóricos y escultóricos con temáticas
profundamente religiosas. (Mainstone, 1989) En este momento los
artistas apuntaban hacia nuevos intereses que pudieran sacarlos del
punto al que había llegado el Manierismo.
En la ciudad de Roma podemos destacar a dos pintores cuyas
convicciones en relación al Arte eran completamente opuestas: se
trataba de Aníbal Caracci y de Miguel Ángel Caravaggio. Su punto en
común era el hastío del movimiento manierista, pero sus formas de salir
de él fueron muy diferentes.
Por un lado, Caracci se volcó al estudio de las obras Rafael,
proponiéndose traer al presente la belleza de su estilo. Cultivó los
ideales clásicos, pero aportando a sus composiciones una nueva forma
de transmitirnos las emociones de sus escenas, de una manera que
podríamos denominar barroca. (Gombrich, 1992) Aun así, sus obras se
encontraban dominadas por la razón, ya que la armonía de sus
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representaciones no respondía a la realidad sino a la idealización
realizada en su mente. (Mainstone, 1989)
Caravaggio, por su parte, deseaba mostrar la verdad en sus
pinturas ya que no creía en la belleza ideal. Muchas de sus obras
resultaron chocantes para algunos devotos ya que representaba las
escenas bíblicas tomando modelos de la vida cotidiana, con sus ropas
raídas y con un extremo naturalismo. Los Santos, la Virgen e incluso el
mismo Cristo no aparecían con la acostumbrada idealización, sino como
personas reales que podríamos encontrar en cualquier sitio. Además, el
artista tenía un manejo de la luz muy particular, dura y potente, que
provocaba un juego de sombras llevando la atención a la escena
principal. Muchos católicos se vieron atraídos por el estilo de Caravaggio
ya que la gran naturalidad de sus pinturas y sus composiciones
renovaban su fé, haciendo sentir a los devotos partícipes de aquellas
escenas bíblicas. (Mainstone, 1989)
Vemos así como el arte se divide en dos corrientes: una
idealización y renovación de los modelos clásicos de la mano de Caracci
y un naturalismo crudo por parte de Caravaggio. Esto genera una
contradicción muy difícil de resolver, ya la belleza va a poseer siempre
un carácter relativo. Más allá de las modas y reglas de cada tiempo es
imposible establecer un parámetro realmente correcto. Tampoco
podemos establecer cuál es la función adecuada de un artista con
respecto a la observación de la Naturaleza. Tanto quienes creen en
representarla con todas sus miserias o defectos como quienes buscan
perfeccionarla y adaptarla según la visión artística propia tienen
convicciones válidas. Es esta amplitud de posibilidades la que hace del
Arte una inagotable fuente de creación y de debate. Justamente lo
interesante es no establecer barreras que dispongan lo correcto y que se
cierren a nuevas experimentaciones, como las tantas que han aparecido
ya en la Historia del Arte.
Sin embargo, en el período Barroco hubo alguien que intentó
encasillar al Arte y buscó reglamentarlo. Se trató del Rey Luis XIV, cuya
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monarquía absoluta centralizó no sólo las cuestiones políticas, religiosas
y económicas sino también las artísticas. Dominó, imponiendo su
Academia Real, desde la arquitectura hasta los últimos detalles, como
los muebles y tejidos. Ésto provocó un Arte limitado por las normas
impuestas por Lebrun, director de la Academia, obteniendo una unidad
pero coartando la libertad de cada artista. El resultado nos acerca al
Arte como industria, y transforma al posible creador en un simple
ejecutor. Se produjeron muchísimas obras durante el reinado de Luis
XIV, pero todas ellas despegadas de cualquier intento de
individualización, de idea personal. El Gobierno buscaba que todo
dependiera del Estado incluyendo los encargos artísticos y prohibiendo a
los pintores dar enseñanza pública. La producción artística queda en
manos de quienes lo consideran una mera herramienta política, sin
importarles el Arte en sí. (Hauser, 2002)
ACTIVIDAD: Realizar un informe de lectura dando cuenta de las lectura de las paginas recomendadas, los vídeos y la lectura.
Explicando el termino, las causas, sus características, artistas importantes, lugares donde se desarrollo, y como se desarrolla en los diferentes campos del arte como: la pintura, arquitectura, escultura, música, teatro, danza. mínimo dos paginas
QUE ES UN INFORME DE LECTURA
El informe de lectura es uno de los tipos de trabajos escritos más solicitados por los profesores a sus
estudiantes. Su valor pedagógico radica, por un lado, en que motiva la lectura de textos clave
vinculados con los géneros discursivos de una disciplina específica y, por otro, favorece la
producción –por parte del estudiante- de textos expositivo-explicativos, descriptivos, analíticos,
interpretativos y argumentativos. Esto es posible porque el estudiante, luego de leer comprensiva y
críticamente, asume la labor de escritor que busca dar cuenta de lo leído. Y ya sabemos la
importancia que tiene este proceso en el aprendizaje y la construcción de conocimiento, porque:
El que realiza el informe de lectura se ve sujeto a una reflexión y una voluntad de
conocimiento, tomando una posición objetiva y subjetiva a la vez: objetiva, porque toma
distancia para no dejar de lado aspectos importantes de la lectura; subjetiva, porque entra
en juego dos aspectos: uno, la reflexión pertinente y oportuna, donde los conocimientos
previos pueden relacionar o ampliar la información, y dos, la autonomía para redactar, según
su estilo, el informe de lectura (Goyes, s.f., p. 1).
Por lo tanto, el informe de lectura es un nuevo texto que surge del proceso de comprensión lectora
aplicado por el estudiante. Ese texto que resulta de la lectura seria, metódica y orientada de un texto
fuente adquiere independencia y se puede mostrar como una producción autónoma puesto que un
tercer lector puede leerlo e interpretarlo sin necesidad de haber leído la obra fuente. Eso hace que
la redacción de informes de lectura sea una actividad de notoria relevancia en el ámbito académico
porque el estudiante estructura su pensamiento y adquiere elementos para asumir puntos de vista
críticos y debidamente argumentados, y prepararse para la escritura de otras tipologías académicas
como ensayos y monografías.
La realización de un informe de lectura puede lograrse a partir del fragmento de una obra, de la obra
completa o de varios textos que guardan cierta afinidad temática o discursiva y entre los cuales se
establecen relaciones significativas. El informe, sin embargo, debe guardar fidelidad a los conceptos
y al lenguaje propio de la disciplina o la especialidad temática. Por ello, es importante que el
estudiante conozca algunas pautas generales y recomendaciones para la elaboración de informes
de lectura.
Lopera, H. (s.f.). El informe de lectura. Recuperado de http://caribe.udea.edu.co/~hlopera/Webetica/Informe_de_lectura.html
El informe de lectura, sin embargo, no está sujeto a un único modelo para su estructuración. De
hecho, existen varias guías de elaboración; la más común es la que corresponde a la estructura
descriptivo-analítica, que se compone de las siguientes partes:
- Encabezado: datos del estudiante, nombre de la asignatura y fecha
- Título
- Introducción: incluye el objetivo del informe, la justificación y una breve descripción de las partes
en que está estructurado el informe
- Cuerpo o desarrollo del informe de lectura: basado en los capítulos, partes o secciones en que
está dividido el texto fuente
- Conclusión
TALLER
1. Realiza una pintura, dibujo
o caricatura en el que se muestre la exageración.
2. Realiza una exposición sobre
una obra del barroco destacando: ¿Quién la hizo? ¿Cuáles son las
características destacadas de la obra? ¿Qué características son propiamente
barrocas? ¿Dónde se hizo? ¿Cuándo se
hizo?
LA FIGURA HUMANA EN LA HISTORIA DE LAS ARTES
LA FIGURA HUMANA EN EL ARTE
El cuerpo como vehículo de la propia
expresión implica un largo recorrido que involucra crecimiento y asociación de
sensaciones, percepciones y emociones. El dibujo de una persona ofrece un medio
natural de expresión de las necesidades y conflictos del cuerpo de uno.
El cuerpo humano como elemento de
representación en el arte fue llamado "figura humana" por los
artistas, para describirla, exaltarla de manera simbólica y como expresión de
deseo, al igual que el rostro humano, que es uno de los principales objetos de
estudio del arte.
Al contemplar el mundo, el ser humano se
identifica con él y, mediante esta relación, crea y se expresa artísticamente
La Figura Humana en el Antiguo Egipto La figura humana se dibujaba en el antiguo Egipto en muros
de las tumbas de los faraones para representar escenas de las actividades
cotidianas (pesca, caza y agricultura). Los egipcios para pintar una figura
humana usaban 3 formas:
La
ley de la Frontabilidad: Consiste en representar rectas la línea de los hombros
y de las caderas.
Perspectiva
Jerárquica: El tamaño de la figura dependía del rango social.
La
Visión rectilínea: Que consistía dividir el cuerpo en varios planos.
La Figura Humana en la Antigua Grecia
Se
busca la perfección corporal del hombre, en consecuencia, que la cultura griega
se humaniza. Al principio la figura humana tendía a ser rígida, pero con los
años adquirió flexibilidad, estaba sumamente detallada desde el cabello, las
venas, detalles de la cara hasta todos los músculos que el cuerpo humano
contiene.
5. La Figura Humana en la Edad Media
La
pintura de la figura humana en la edad medieval es sobre todo religiosa y por
la forma de ver el mundo de las personas, pero con un catolicismo muy
arraigado. Las características de la figura humana en la edad medieval son:
·
Desproporción entre
cabeza y cuerpo.
·
Ley de la Frontabilidad
·
Manos rígidas y
posiciones muy forzadas
·
La Figura Humana en la
edad medieval se representaba mayoritariamente en Jesús y de Santos Católicos.
6. La Figura Humana en el Renacimiento
La
figura del hombre en el renacimiento era a la medida de todas las cosas, el
artista se interesó más en la anatomía humana, en lo natural y en la
perfección. La figura humana fue pintada casi perfectamente que difícilmente se
puede ver un desperfecto.
7. La figura Humana en el Barroco
La
representación de la figura humana era con una objetividad perfecta en todos
sus aspectos, tanto los más sublimes como los más vulgares, desnuda en estado
puro con una composición asimétrica donde predominan las diagonales, los
cuerpos sesgados y oblicuos. La diferencia con la figura humana renacentista es
que sus formas eran menos geométricas.
La Figura Humana en el Romanticismo
La
figura humana en el estilo del Romanticismo contiene líneas suaves y onduladas,
representada en el pasado medieval, en la historia nacional o en las culturas
del lado oriente, se caracteriza por sentimientos de amor a la patria con mucha
sensibilidad del artista. La figura humana se presenta entre lo real y lo
ideal.
Figura Humana en el expresionismo
La figura humana muestran una inspiración violenta,
espontanea, rebelde y apasionada. También se representa por deformaciones
voluntarias, estados de ánimos subjetivos, las cuales exploran la conciencia
del ser humano. La figura humana del expresionismo pretende conmover, por eso utiliza
el trazo violento
Conclusión.
Gracias a la diferencia de pintar la figura humana en las diferentes edades el
hombre de ahora sabe cómo pensó el ser humano de la antigua Grecia o del
romanticismo. También se pueden ver diferentes tipos de artes y formas de
pintar el cual los pintores de ahora están volviendo a utilizar. La figura
humana representaba lo que ellos veían de si mismos o como querían que el
hombre fuera.
ACTIVIDAD
Realizar una línea de tiempo de forma gráfica dibujando la figura humana en la historia del arte donde dejes ver cada
una de sus características y su evolución.
VER VÍDEOS
ACTIVIDAD:
Realizar una escultura de la figura humana
con alambre al estilo contemporáneo
VISITAR PAGINA
http://www.portaldearte.cl/educacion/media/2do/linea.htm
https://es.slideshare.net/elbasaez/ppt-representacion-de-la-figura-humana-en-la-historia-del-arte
https://www.slideshare.net/wladimirims/2medla-figura-humana-a-travs-de-la-historia?nomobile=true
PUEDES TOMAR ESTOS EJEMPLOS DE ESCULTURAS COMO REFERENTES
VISITAR PAGINA
ARTE CINETICO
SEGUNDO TRIMESTRE
HISTORIA DE LA DANZA
LA DANZA: CONCEPTOS Y CARACTERÍSTICAS
100 años de baile en 7 minutos.
DANZA DE LA REGIÓN ANDINA
Danza La Carranga. Jericó Antioquia
III TRIMESTRE
TEATRO
ORIGEN
TIPOS DE TEATRO
04/10/18
TALLER DE NIVELACIÓN PARA LO QUE NO SE PRESENTARON EN EL BAILE DEL DÍA DE LA FAMILIA
TALLER
Los bailes típicos de Colombia son una serie de ritmos musicales y expresiones dancísticas, producto del mestizaje cultural, que se han desarrollado históricamente a lo largo de todo el país.
Estas danzas son una mezcla de las culturas precolombina nativa, africana y europea que, desde la Colonia, se fueron integrando hasta crear estas manifestaciones folclóricas.
Cuadrilla bailando cumbia, uno de los bailes típicos de Colombia
Cada región colombiana tiene sus propios ritmos y danzas que la distinguen. No obstante, muchos de estos bailes se ejecutan por igual en distintas regiones del país.
La lista de bailes es múltiple y variada en cada una de las seis regiones que conforman la geografía colombiana. Por ejemplo:
Región Caribe destacan: cumbia, bullerengue, porro, garabato y el mapalé.
En la Región Andina, los bailes típicos son: bambuco, pasillo, torbellino y guabina
Región Orinoquia se baila joropo y galerón.
La Región Insular posee también una rica cultura dancística. Entre sus bailes típicos están: calipso, chotis, polka
Región Pacífico son: caderona, currulao y la contradanza.
Región amazónica se baila el bëtsknaté y la danza de la ofrenda.
ACTIVIDAD: consultar una de las danzas mencionadas de cada una de las regiones de Colombia y realizar un friso con esa información teórica y con imágenes. -Escrito a mano, las imágenes pueden ser impresas-. La creatividad y la buena presentación hace parte de la calificación.
EL FRISO
Es una especie de lámina para ilustrar un tema determinado. Imágenes en serie que se colocan en orden para mostrar el proceso del tema.
Aportan elementos metodológicos para enriquecer el conocimiento, la creatividad y el desarrollo de competencias básicas cognitivas y comunicativas.
http://lectorespotenciales.blogspot.com/2011/05/como-elaborar-un-friso.html
31/10/18
REALIZAR UN PLEGABLE CON LA RESEÑA HISTÓRICA DEL GÉNERO TEATRAL ELEGIDO DEBE LLEVAR IMÁGENES Y ESCRITO A MANO SE CALIFICA PROFUNDIZACIÓN DE LA INFORMACIÓN, CREATIVIDAD Y BUENA PRESENTACIÓN. UNO POR GRUPO
TIPOS DE TEATRO
- Tragedia.
- Comedia.
- Drama.
- Tragicomedia.
- Monólogo.
- Zarzuela.
- Pantomima.
- Teatro de títeres y marionetas:
- Teatro de sombras.
- Teatro callejero.
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